Professeur de chant

J'ai trois structures : une grosse école de musique associative, où j'enseigne le chant de manière collective (technique vocale et ensembles vocaux), puis ma propre strucure – Résonateurs - où j'enseigne essentiellement le chant en individuel et je fais un peu de coaching de groupes de musique. Par ailleurs, je transmets aussi la méthode Feldenkrais, dans un contexte de santé et prévention générale.

C'est un travail de micro-mouvements, la plupart du temps allongé au sol, qui vise à réexplorer les mouvements fondamentaux, en s'appuyant sur la sensation du corps, la pesanteur. On travaille par exemple sur la respiration, la marche, l'usage de la colonne vertébrale, la prévention. Le principe c'est de donner l'occasion au système nerveux de modifier des habitudes, de redécouvrir certaines articulations et des gestes qui ont peut-être été oubliés, ou traumatisés. Par exemple, on l'utilise beaucoup en finger training chez les instrumentistes, chez les danseurs et chanteurs, ou encore en accompagnement post-traumatique, bref, dans de multiples contextes.

Je me suis formée pendant quasiment dix ans auprès de François Combeau (Le Geste Vocal, Paris). J'ai fait un cursus professionnel intense en deux ans et je suis en formation continue depuis.

Au départ je suis un pur produit de conservatoire en flûte traversière classique, que j'ai dû abandonner suite à un accident. J'ai ensuite pratiqué le chant en autodidacte dans différents contextes : groupes, chorales, solos. J'ai monté des comédies musicales quand j'étais étudiante. Tout ça a contribué à ma formation pratique. Après mes études, j'ai commencé par travailler dix ans en entreprise et il est arrivé un moment où j'en ai eu assez ; j'ai commencé à me former en chant pour le plaisir, pour moi, pour mes groupes, sans avoir encore de réel projet. Puis j'ai quitté ma profession pour me transformer en prof de chant. Du coup ma formation est très hétéroclite parce qu'elle est passée par des stages avec des professeurs que j'ai choisis en fonction des méthodes et des répertoires proposés.

Historiquement il est mixte. D'abord choral (dans le sens Choral de Bach), puis variété, rock, les musiques de mon adolescence. Je dis souvent que mon premier professeur de chant était Claude Nougaro, c'est à dire que je l'ai étudié en détail de A à Z quand j'étais ado et c'est là que j'ai commencé à apprendre à chanter réellement. Ensuite j'ai fait beaucoup de musiques brésiliennes et de jazz, de la comédie musicale anglophone, de la chanson traditionnelle italienne, du tango, un peu de fado, beaucoup de chanson française. Pour découvrir finalement la musique irlandaise, dans laquelle je suis très investie aujourd'hui.

Par exemple, j'ai suivi Eduardo Lopes pendant plusieurs années en allant à ses stages dès qu'il était en France. J'ai suivi Eric Trémollière, qui a une pédagogie géniale de l'improvisation. Beaucoup d'autres encore : Lucas Ciavatta, Benjamin Nid, Gael Andrews, le CFMI de Lyon, Crest Jazz Vocal, Mydriase à Grenoble... Mais je ne suis surtout jamais allé voir « les lyriques » ! Je suis tournée vers les musiques populaires, surtout les musiques occidentales à douze demi-tons, même si j'ai un peu baladé mes oreilles dans le monde arabe...

En parallèle, je me suis formée sur le plan sensoriel et physiologique à la méthode Feldenkrais, à la médecine chinoise, aux arts martiaux, à l'anatomie, mais aussi à la musicothérapie.

Ma spécialité c'est la musique traditionnelle des îles anglo-normandes : musique irlandaise, anglaise, écossaise et leurs formes migrantes aux États-Unis et en Australie, avec tous les métissages dans les musiques nord-américaines, bluegrass, blues, tous ces mélanges incroyables. Avec une pédagogie « non-lyrique ».

Il y a énormément d'informations sur mon site web. En général ils le lisent. De toute façon, je ne réponds pas aux messages du type « Je voudrais des informations sur vos cours de chant. » Pour moi, quelqu'un qui a une démarche d'apprentissage musical a lu ce qui lui était proposé. Sinon c'est quelqu'un qui n'aura pas forcément les capacités de travail.

J'en ai une bonne trentaine, sachant que mon association s'est fait une spécialité d'accueillir des gens qui ont des plannings irréguliers. Ce n'est pas trente heures hebdomadaires. Certains comédiens vont prendre dix cours en trois semaines pour préparer un projet précis, d'autres viennent une fois par mois, c'est très irrégulier et c'est comme ça que j'aime travailler. J'ai par exemple des animateurs du Club Med qui viennent me voir pendant un mois entre deux contrats. J'ai aussi des habitués qui viennent de manière hebdomadaire.

Une heure. Oui, c'est inhabituel comme durée, mais c'est pour moi la bonne durée de travail et je pratique des tarifs abordables pour permettre un travail de qualité à la plupart des bourses.

J'ai des élèves passionnants et ils m'apportent pour commencer des défis pédagogiques. Ils arrivent avec leurs objectifs, leurs attentes, leurs envies, leurs angoisses, leurs questions qui se renouvellent sans cesse, c'est passionnant, je ne m'ennuie jamais.

Jamais avant la mue. J'ai déjà pris des garçons pendant la mue, de façon exceptionnelle, des jeunes qui avaient déjà des projets vocaux avec des copains et qui sont en difficulté car ils ne peuvent plus faire ce qu'ils faisaient avant la transformation de leur voix. Sinon, je ne prends pas des gens aussi jeunes. En M.J.C. j'accepte des 13-14 ans en groupes de technique vocale, mais en individuel, jamais avant 14 ans. J'aime avoir des élèves autonomes, je n'ai pas envie de faire de la discipline, ni d'enseigner le savoir-être.

Je pense qu'un chanteur de musiques populaires n'a pas besoin de l'écrit. Pour moi, toute pédagogie qui se fixe sur la partition classique rate quelque chose. Par contre j'utilise des codages. Des codages corporels, des codages sur le texte, des exercices très précis avec des supports visuels éventuellement, mais lire une partition, pour moi, ça n'a aucun intérêt. J'ai parfois des personnes d'un certain âge qui se font une certaine idée du solfège. Dans ces cas-là, je leur conseille des sites web et ils se débrouillent tout seuls, ils n'ont pas besoin de moi pour ça. Par contre je fais du ear training, je les fais travailler sur des intervalles, sur des modes, avec des notions d'accords, de degrés, d'harmonie… je vais parfois assez loin en préparant des gens au jazz mais sans partition. Par contre, j'inclus dans ma pédagogie le contexte socio-culturel de la musique, son histoire, les contraintes qui la sous-tendent.

Je ne cherche pas du tout le statut d'intermittent. Je joue avec les gens que j'aime, dans les contextes que j'aime. Je suis très difficile et sélective. Quand je suis fatiguée, je ne dis pas oui à un concert. J'ai un trio de musique irlandaise, Scattered Land, où nous sommes tous poly-instrumentistes, dans lequel nous proposons un tiers de traditionnel, un tiers de compositions de ces trente dernières années et un tiers de compositions personnelles. On insiste sur le volet culturel de cette musique. Nous ne sommes pas dans le festif qui accompagne la vente de bière, comme ça se fait beaucoup dans la musique dite « celtique ».